En reconsidérant la peinture comme un lieu d’investigation, les œuvres au goudron de Theaster Gates dialoguent consciemment avec l’héritage formel de l’abstraction moderniste. Cette filiation est particulièrement manifeste dans ses « Tar Paintings » de grand format et intensément chromatiques – notamment Colour Field, Blues and Blacks (2025) et The Whitest Zone to Harvest (2025) – dont les surfaces s’organisent en passages de teintes et d’intervalles. Bien que ces œuvres fassent appel à des dispositifs et des techniques tels que la grille et le champ coloré, la démarche de Theaster Gates s'inscrit en tension avec la tendance moderniste à abstraire la matière du travail ou de l'usage. Des supports de toiture récupérés sont imprégnés d'émail à base d'huile, collés et fusionnés à la flamme, de sorte que le champ peint se développe de manière sculpturale. Les œuvres qui en résultent acquièrent une facture architecturale, intégrant la logique industrielle du goudron dans une syntaxe picturale irréductible à son précédent moderniste. 

Ce vocabulaire du goudron, du bitume et de l’émail se développe dans l'œuvre de Theaster Gates depuis plus d’une décennie, bien que ses origines remontent à ses années de formation. Ayant appris à goudronner des toits aux côtés de son père, couvreur de métier, Theaster Gates a décrit cette expérience de jeunesse comme « sa première pratique artistique » – une attention portée aux procédures et aux formes qui continue de structurer son approche de l’abstraction. Depuis ses premières expérimentations avec le goudron en 2011, cet ensemble d'œuvres est resté l'un des plus féconds et des plus constants de son travail, sans cesse réinterprété à travers des stratégies changeantes : tantôt monumental, tantôt richement imprégné d'images d'archives ou du lexique visuel des mouvements de libération noire. À travers ces itérations, le goudron opère comme un matériau de transmission et d'héritage : un hommage au métier de son père et un moyen de faire revivre, à travers la peinture, le travail manuel souvent invisible. Dans les œuvres actuelles, Theaster Gates s'appuie sur sa formation d'urbaniste, notamment dans des tableaux comme Land Map – Ag Majority (2025) et Concerning Forested Areas and Other Mixed Uses (2025), dont les titres reprennent le langage technique employé par les aménageurs du territoire, les géomètres et les ingénieurs en transports pour interpréter les cartes agricoles et périurbaines. Les zones de couleur distinctes de ces oeuvres évoquent les schémas aériens des cartes d'occupation des sols, où des zones colorées délimitent les classifications du terrain, faisant ainsi correspondre les opérations formelles de la peinture aux grammaires spatiales de l'environnement bâti.

Dans une série récente de toiles de plus petit format, Theaster Gates adopte une palette épurée. Des passages quasi monochromes d’ivoire, de turquoise ou d’argent réfléchissant traduisent ce que l’artiste décrit comme une « charge chromatique industrielle », leurs surfaces se déployant en champs colorés traversés par des bordures d’altération expressive. Dans certaines de ces œuvres, Theaster Gates introduit des images d'archives, intégrant le figuratif à l'abstraction – autant de domaines où ses préoccupations formelles en peinture rejoignent son travail de longue date de conservation d'archives essentielles à l’histoire sociale et culturelle afro-américaine. 

Un point de retour notable est la collection de la Johnson Publishing Company, qui trouve ici une nouvelle expression dans deux peintures au goudron réalisées par transfert photographique, She Never Leaves Her Purse (2025) et Critical Crowd (2025). Fondée à Chicago en 1942, Johnson Publishing – à travers ses magazines emblématiques Ebony et Jet – a joué un rôle déterminant dans la production de représentations façonnées par et pour les Afro-Américains tout au long du XXe siècle.

Abordant ce corpus comme un réservoir de propositions visuelles auquel il revient au fil du temps, Theaster Gates a décrit ces images comme en attente de leur « prochaine vie ». Réinvesties dans son œuvre, elles continuent d’affirmer « la force de l’identité noire ». Ici, les images sont absorbées par la surface goudronnée, leur présence figurative est partiellement tronquée et obscurcie par des interventions de goudron émaillé. Theaster Gates manipule les compositions pour créer des divisions semblables à des diptyques, intégrant la mémoire archivistique à ses peintures tout en modifiant leur lisibilité au sein d'une architecture abstraite où de nouvelles possibilités relationnelles émergent. 

Parmi les trois peintures de goudron noir fortement agrégées et polies présentées dans l’exposition, Tokoname Study (2024) se distingue par l’intégration de texte : une inscription verticale mentionne Tokoname, la ville japonaise où Theaster Gates s’est rendu en 2004 pour une résidence de formation en céramique. Cette période fondatrice, ainsi que la discipline des traditions artisanales japonaises plus largement, constituent une source d'inspiration constante dans sa pratique, trouvant ici une articulation sculpturale dans ses œuvres de la série « Protected Vessel » (toutes de 2025). Tout en évoquant l’argile comme matériau fondamental de sa pratique sculpturale, ces vases marquent une nouvelle direction: chaque forme est moulée en plâtre, puis liée, enveloppée et scellée dans des membranes de toiture, l’acte d’enveloppement fonctionne comme un geste de soin et de préservation, proche de l’embaumement, conférant aux œuvres une présence élégiaque.

Dans « And Other Paintings », Theaster Gates reconstitue certains matériaux dont la virtuosité formelle et l’investissement rituel sont considérés comme égaux. Bien que chargées de significations matérielles, les œuvres ne renoncent jamais à l’impact d’une première impression ou d’une rencontre directe ; comme si privilégier le formel constituait un geste de libération, Theaster Gates observe : « Pour la première fois, il ne s’agit pas vraiment du matériau… il s’agit de peintures. »

Theaster Gates (né en 1973 à Chicago, Illinois) vit et travaille à Chicago. Il a exposé dans de nombreux musées, notamment lors d'expositions personnelles au Smart Museum of Art, Chicago, Illinois (2025) ; Fondation Albuquerque, Sintra, Portugal (2025) ; Mori Art Museum, Tokyo (2024) ; Contemporary Art Museum Houston, Texas (2024) ; Fondation LUMA, Arles, France (2024 et 2023) ; New Museum, New York (2022) ; Serpentine Pavilion, Londres (2022) ; Frederick Kiesler Foundation, Vienne (2022) ; Whitechapel Gallery, Londres (2021) ; Victoria & Albert Museum, Londres (2021) ; TANK Shanghai (2021) ; Prada Rong Zhai, Shanghai (2021) ; Spelman College Museum of Fine Art, Atlanta, Géorgie (2020) ; Tate Liverpool, Royaume-Uni (2020) ; Haus der Kunst, Munich, Allemagne (2019) ; Walker Art Center, Minneapolis, Minesota (2019) ; Martin Gropius Bau, Berlin (2019) ; Palais de Tokyo, Paris (2019) ; Fondazione Prada, Milan (2018) ; Kunstmuseum Basel, Suisse (2018) ; Sprengel Museum Hannover, Allemagne (2018) ; National Gallery of Art, Washington, DC (2017) ; l’Art Gallery of Ontario, Toronto (2016) ; Fondazione Prada, Milan (2016) ; Kunsthaus Bregenz, Autriche (2016) ; Museum of Contemporary Art, Chicago, Illinois (2013) ; Whitechapel Gallery, Londres (2013) ; Seattle Art Museum, Washington, DC (2011) ; Museum of Contemporary Art, Los Angeles (2011) ; Milwaukee Art Museum, Wisconsin (2010) ; ainsi qu’au St. Louis Art Museum, Missouri (2010). 

Son travail a également été présenté dans de nombreuses expositions collectives, notamment à Luma & Cetera Foundation, Gstaad, Suisse (2025) ; Los Angeles County Museum of Art, California (2024) ; High Museum of Art, Atlanta, Géorgie (2024) ; Palazzo Barberini, Rome (2024) ; Sharjah Art Foundation, Émirats arabes unis (2024) ; 18e Biennale internationale d’architecture de Venise, Italie (2023) ; Fondazione Prada, Venise, Italie (2023) ; Brooklyn Museum, New York (2023) ; Punta della Dogana – Pinault Collection, Venise, Italie (2023) ; Sharjah Biennial 15, Émirats arabes unis (2023) ; Metropolitan Museum of Art, New York (2022) ; l’Aichi Triennale, Tokoname, Japon (2022) ; Mississippi Museum of Art, Jackson (2022) ; New Museum, New York (2021) ; Virginia Museum of Fine Arts et Crystal Bridges Museum, Arkansas (2021) ; San Francisco Museum of Modern Art, California (2020) ; Whitney Museum of American Art, New York (2017) ; 14e Biennale d’Istanbul (2015) ; 56e Biennale de Venise (2015) ; Prospect 3, Nouvelle-Orléans, Louisiane (2014) ; Documenta 13, Kassel, Allemagne (2012) ; et à la Whitney Biennial, New York (2010). 

Theaster Gates a reçu de nombreuses distinctions et titres honorifiques, dont le 39e World Cultural Council Award (2024) ; l’Isamu Noguchi Award (2023) ; le Friedrich Kiesler Prize for Architecture and Art (2021) ; une distinction du Royal Institute of British Architects (2021) ; le World Economic Forum Crystal Award (2020) ; le J.C. Nichols Prize for Visionaries in Urban Development (2018) ; le Nasher Sculpture Prize (2018) ; le Kurt Schwitters Prize du Sprengel Museum (2017) ; et le prix Artes Mundi 6 (2015). En avril 2018, Theaster Gates a été nommé premier artiste invité de renom et directeur des initiatives artistiques au Lunder Institute for American Art, Colby College, Waterville, Maine. Il a été artiste en résidence à l'Académie américaine de Rome (2020) et a été élu membre de l'Académie américaine des arts et des lettres en 2021.