White Cube

日期

2025年10月31日-2026年1月10日

地点

White Cube Hong Kong

香港中环干诺道中50号

参展艺术家

 加卢·阿宁迪塔（Galuh Anindita）
阿拉迈尼（Arahmaiani）
克里丝汀·艾珠（Christine Ay Tjoe）
娜迪娅·巴玛达杰（Nadiah Bamadhaj）
今津景（Kei Imazu）
伊内斯·卡塔姆索（Ines Katamso）
伊·古斯提·阿育·卡德可·穆妮阿绪（I Gusti Ayu Kadek Murniasih）
西特拉· 萨斯米塔（Citra Sasmita）
詹妮弗·狄（Jennifer Tee）

“从黑暗走向光明。”——卡蒂妮（Kartini，印尼妇女运动家），《从黑暗走向光明》（Door duisternis tot licht），1911年

“阀限”汇集九位艺术家的创作，他们以独特的艺术语言，勾勒出关于精神、政治、肉身与神话的蜕变轨迹。这些作品共同构筑了一场独特经验的合唱，每一次创作都是跨越「阀限」的印记，折射出光暗共生哲思——这股动态力量并非对立冲突，而是相生相成的平衡。

这种和谐——二元性的平衡，具体体现在峇里岛波楞布 (Poleng)黑白格纹设计中，这种织物传统上被用于装饰雕像、神龛及圣树，其鲜明大胆的交错图案，标志着秩序与混沌、善与恶这两极力量的交汇。以此作为展览的起点，“阀限”呈现多位艺术家的作品，他们的创作实践皆触及了这种张力。在印尼传统中，保持对立平衡的能力被理解为一种母性力量，它既提供滋养与通道，也主导着变革的进程。在当今生态、精神与社会的多重裂痕间，这些“阀限”已不再是象征，而是切身的生存现实。无论是透过我们继承的神话、我们所践行的仪式，或是我们所栖居的躯体，每个人都在参与著一场持续进行的蜕变。在这段旅程中，正是“阀限”标志了蜕变的关键瞬间，并往往决定了这场蜕变的最终走向。

蜕变始于母体之中，伴随着一个既脆弱不安，又蕴含韧性的潜在生命形态。克里丝汀·艾珠（Christine Ay Tjoe）的抽象画作充满身体的紊动，她的笔触既挑战着肉体的极限，亦扣问着灵魂的边界。穆妮(Murni)将创作描述为对身体在场感的追寻——艺术家直面身体，并视其为痛苦与生存的场域，正如她所言：“绘画是为了感受自我存在”。穆妮受训于彭戈瑟（Pengosekan）绘画风格，其作品中的人物特征同时承载着恐惧与温柔，且未予以化解，并展露着忍耐与成长旅程的伤痕。作品呈现身体并非局限的疆界，而是蜕变发生的场域。

当艾珠和穆妮在探索过程中转向内在审视时，有些艺术家则将目光投向仪式与交融的实践。西特拉· 萨斯米塔（Citra Sasmita）的创作深植于巴黎岛宇宙观：“作为巴厘岛人，我深信生命本然栖居于时空之中”，她如此写道。萨斯米塔的作品以巴厘岛印度教神庙仪式中使用的圣帷Lamak为参照，融汇女性的知识养分，从手工艺、关怀与身体这三重维度中汲取力量。在其创作中，龙蛇神“那伽”（Naga）舒展成一片神圣景观——宛如一道从山脉绵延至河流、再深入海洋的脊梁，将尘世生命与祖灵，以及神性领域联为一体。

阿拉迈尼（Arahmaiani）将仪式构筑为政治、信仰与身份交汇的场域，以静默来撼动人们的既定认知，引领观者进入深度反思。在其绘画与软雕塑装置中，爪夷文（Jawi script，又称阿拉伯佩贡文）从文字逐渐演化为图像，生动诉说着文化所具有的适应力与多元共生的含义。伊内斯·卡塔姆索（Ines Katamso）则溯源于爪哇岛与巴厘岛宇宙观中的蛇神安塔博加（Antaboga），艺术家运用植物形态、土壤与重复性手法，来思考生命循环的再生法则。她的作品静观着物质、姿态与形式的缓慢蜕变，其韵律与大地苍穹之力同频，其脉动与塑造生命轮回的灵息共振。

萨斯米塔、阿拉迈尼和卡塔姆索运用宇宙观、文字、土壤与静默的方式，将内在的骚动转化为共同的实践时，其他艺术家则选择向神话探寻，以丰富其视觉语汇。于此，神话既不是固定的叙事方式，亦不是怀旧的载体，它始终鲜活，并在不断重生中焕发生机。娜迪娅·巴玛达杰（Nadiah Bamadhaj）从战神母亲——女神杜尔迦（Goddess Durga）的神话中汲取灵感，这位女神的千臂，既怀抱着温柔，也掌控着毁灭之力。在她悬垂而下的雕塑作品《The Whip》、《Jimat》、《Solar Plexus》（皆为2023年）与《The Harvest》（2023-24年）中，形态成为这股母性力量的延伸——既凶猛又充满保护欲，在滋养与蜕变的力量之间平衡。在这些悬浮的形态里，创造与毁灭并非对立的状态，而是使新生能量得以显形的循环姿态。加卢·阿宁迪塔（Galuh Anindita）在其作品《The Body Is A Temple, The Memory Is The Sea》 (2025年)中延续了她与爪哇神话中的“南海女王Ratu Samudra”的长期对话。作品参照了Rong Telu——一种用于安置游走于不同界域之灵魂的传统三层圣柜。阿宁迪塔在其中放置了对应爪哇脉轮中土、火、空气元素的护符；这些护符透过保护与臣服的双重作用塑造身体力量，使它们兼具盔甲的防护意味，又有象征着阀限、临界点的意味。其中一件物件名为《Mayang Koro》是一个银制腰带扣，传统上佩戴于腰间作为护身符，既能约束不安的灵魂或“饿鬼”，同时也象征性地将自我与母性的滋养力量紧密相连。同样地，这座圣柜也呼应了舞者面具的形态——它是爱情、戏剧与祖传智慧的载体。同样借鉴神话，今津景（Kei Imazu）的创作重新诠释了来自印尼摩鹿加群岛流传的海奴韦莱（Hainuwele）神话——椰子少女的故事：她虽遭遇村民杀害，但其被埋葬的躯体却孕育出沃土，使谷物生长。在这起源神话中，女神Mulua Satene守护着通往冥界之门——成功穿越者得以维持人形，未能完成此渡程者则化为走兽或精魂。

在展览“阀限”中，神话的秩序由 “母神”奠定。世界因她的馈赠而生成，也在她的规范中存在。艺术家詹妮弗·狄（Jennifer Tee）将其“Tampan”系列形容为 “一艘以生命之树为桅杆的船，载着人类、走兽与海洋生灵，从人间渡往来世。”她的创作灵感源自苏门答腊灵性仪式中的织物，借鉴其中运用的海洋与船舶意象，以及西方神学中的灵薄狱——灵魂滞留于两界之间的概念。那些由干燥郁金香花瓣拼组的船只，停留在蜕变的临界点，宛如承载记忆的脆弱舟楫，在迷离的水域中航行。正如印尼传统的哇扬皮影偶戏（Wayang Kulit），这些作品标示着生者与祖灵的临界，指引我们穿越那分隔两界的帷幕。