在意大利那不勒斯郊外的乡野独自创作，地理的区隔也使恩布勒马始终与20世纪中叶的主流艺术圈保持着若即若离的关系。尽管他的作品与当时盛行于意大利北部、欧美艺术界的多个流派有着某种内在的共鸣——例如贫穷艺术、色域绘画、大地艺术和极简主义等，但他始终拒绝被归入任何流派。恩布勒马将创作重心放在探索绘画的感知边界与物质极限上，指向超越作品，超越画布界限的空间——正如他所说，“画布之后”，那个“由光构成”的空间。²

恩布勒马自1950年代开启创作之初，便致力于从内部解构图像，将画布表面视为承载着内在能动性，并能够形变和显影的场域。他最初选用粗纺麻布与原生黄麻画布创作——采用这些材料最早是出于经济考量，但艺术家很快便发现了它们的内在特质——并以撕碎的树叶替代昂贵颜料，在画布上进行拼贴。随着创作的发展，他开始运用从周边环境中提取的天然材料，让色彩彻底渗透织物的肌理。这些画布的透光性，为他的艺术探索提供了独特条件，让颜料与光线产生独特的互动作用，呈现物质与光交汇的界面。恩布勒马所使用的颜料均是由天然有机材料形成，例如火山砾石、氧化金属及农业废料等。他将这些材料与透明粘合剂共同研磨，运用类似古庞贝湿壁画的上色技法绘制在画布上。到了1969年，他开始尝试一种名为“detessute”（去织法）的创新技法，通过抽掉织物的纺织线来改变织物结构。 1970年的作品Untitled就是这种技法与特殊颜料结合的早期代表作。通过这种技法，透明性在对画布完整性的刻意削弱后形成，画布背后的墙面透过织纹得以更加清晰地显现，成为整体构图的一部分。

这种对画面表面的拆解，标志着艺术家对画布之外空间的更深入探索，到了1970年代，建筑性介入已经成为恩布勒马艺术实践中不可或缺的一项。这些作品既被视为独立的创作，也被视为是其后期绘画作品的参考原型，以装置作品Untitled / Ricerca sul paesaggio (1972)为例，这类作品往往采用大型金属网结构，表面涂覆天然有机颜料，多为红、蓝或白色，自然光线得以穿透其间。与极简主义对网格形式的极度规整偏好不同，恩布勒马的装置作品更着迷于探索具有渗透性与透光可能性的框架结构，以及开放式结构的概念。这种美学理念完整地体现在1978年的作品Untitled中——该作品由两层重叠的黄麻画布组成：底层经过抽线处理，并以画笔染色，在颜料未干时直接覆上第二层画布。当更多飞溅状的颜料被施加在上层画布时，营造出颜料在表面流动的视觉效果，从而解构了原本规整的网格结构。透过颜料层和重叠的画布，底层的黄麻纤维隐约可见，与金属装置中的铁丝网格遥相呼应。这种通透的特质，模糊了作品与墙面、材料与主题之间的界限。

这些探索为艺术家在1980年代的绘画革新奠定了基础。在当时艺术界总在质疑绘画这一媒介的时代意义时，恩布勒马将创作重心明确转向具象表现，与早期典型的纯抽象风格不同。在1980年创作的作品Untitled中，他对透明性的追求让位于更浓重、更具势态绘画和表现主义特征的语言——一抹铜绿从厚涂的黑色基底中隐约浮现。然而，恩布勒马对透明性的探索从未真正终止，创作于1981年的Untitled便叙述着这一点，两片蓝色颜料区域垂挂于重叠的黄麻画布上，那些被抽线的区域则完全保留未上色的原始质地。

恩布勒马的绘画实践，本质上是对绘画存在条件的实验性探索，从他在原生麻布上挥洒的辽阔色域，到对大型展示场域的深刻反思，这些创作实践都在挑战着“绘画究竟能是什么”的根本问题。他的艺术养分来自三个方面：前卫艺术的革新精神，古代绘画技法的材料智慧，以及他与家乡地貌的持续对话。正因如此，这些作品如同对空间的烙印，却永远保持开放性，拒绝被简单的图像定义所束缚。