먼저 화이트 큐브 서울에서는 안토니 곰리의 지속적인 조각 시리즈인 ‘Bunker’, ‘Beamer’, ‘Blockwork’에서 선별된 여섯 점의 작품이 전시된다. 이 작품들은 도시 구조의 문법을 통해 신체를 재구성하며 갤러리 외부에는 실물 크기의 주철 조각 두 점이 설치되어 신체의 정적인 순간을 형상화 한다. 특히 화이트 큐브에서는 최초로 거리 외부에 작가의 작품이 설치된다. ⟨몸틀기 IV (Swerve IV)⟩ (2024)는 인도와 차로 사이 연석 위에 세워져 보행자의 경로를 일시적으로 차단하며 신체 감각을 일깨운다. ‘Blockwork’ 시리즈의 ⟨쉼 XIII (Cotch XIII)⟩ (2024)은 낮은 벽에 조용히 기대 앉아 사색에 잠긴 듯한 자세이다. 두 작품 모두 주철 소재가 가진 밀도감을 통해 존재를 물리적, 개념적으로 안착시키며 인간과 지구 간의 밀접한 상관관계를 드러낸다.

마찬가지로 외부에 설치된 또 다른 작품 ⟨움츠림 (Retreat: Slump)⟩ (2022)은 높은 건물들 사이 좁은 통로를 점령한 채 자리한다. 입을 대신해 작게 뚫린 사각형 구멍은 어두운 내부를 엿보게 하여 관람자의 고요한 사색을 유도한다. 이는 작가가 말하는 ‘정지된 몸이 마주하는 무한한 어둠’이자, 신체가 고요해졌을 때 비로소 주어지는 자유의 공간임을 암시한다.

‘Beamer’ 시리즈의 ⟨용기 2 (Pluck 2)⟩ (2024)는 인체 크기의 조각으로 갤러리 유리 외벽과 내부 벽 사이의 틈에 끼워지듯 설치되어, 상업적 매대에 진열되는 예술의 현 위치를 상징정으로 비춘다. 이어지는 전시 내부 공간에서는 강철막대의 직선 구조로 구성된 ⟨대전환 III (Big Slew)⟩ (2024)과 ⟨거대 형상 III (Big Form III)⟩ (2024)이 등장한다. 반복과 축적의 조형 언어로 구축된 두 작품은, 신체의 질량을 건축 언어로 또 한번 변환해냄으로써 인간의 움직임과 행동 양식이 어떻게 우리의 행동을 형성하고, 제약하며, 통제하는지 묻는다.

그리고 타데우스 로팍 서울에서 선보이는 작품들은 신체의 내적 상태와 그것이 일상 공간에 내재되는 양상을 예리하게 탐구한다. ‘Extended Strapwork’ 시리즈의 ⟨정착 (Dwell)⟩(2022), ⟨지금 (Now)⟩(2024), ⟨여기 (Here)⟩(2024)는 조각이 신체의 경계를 넘어 그것이 점유하고 있는 공간의 가장자리까지 뻗어 나감으로써, 공간의 직각적 구조가 우리의 감각과 인식에 어떻게 영향을 미치는지 드러낸다. 영속적인 선의 구조를 가진 일련의 조각들은 뫼비우스 띠의 순환 논리를 구현하며 내부와 외부를 끊임없이 이어줄 뿐만 아니라, 형태와 장(field), 주체와 환경 사이의 구분을 무너뜨린다. 전시장을 길게 가로지르며 전개되는 두 개의 작품은 갤러리의 직선적 구조를 작품의 공간적 논리 안으로 통합시키며, 문과 창 같은 건축적 개구부를 참조하듯 안과 밖을 매개하는 장치로 기능하게 한다.

한편, ‘Open Blockworks’ 시리즈의 ⟨열린 혼란 (Open Daze)⟩(2024)과 ⟨집 (Home)⟩(2025)은 그의 기존 조각 시리즈인 ‘Blockworks’의 모듈 구조를 바탕으로, 닫힌 덩어리를 열린 세포 구조로 재구성한 것이다. 이 조각들은 공간에 반응하며 주변 환경과 상호작용 하는 유기적이고 투과적인 형태를 띠고 있으며, 관람객의 호기심과 신체적 개입을 유도하는 조형적 개방성을 지닌다. 1층 전시장에 설치된 ‘Knotworks’ 시리즈의 작품들은 신체와 공간의 관계를 지도처럼 시각화한 것으로, 상하수도, 전기회로, 교통망 등 현대 사회를 구성하고 지탱하는 연결망을 연상시킨다. 이 조각들은 인간의 신체가 복합적이고 광범위한 연결망(네트워크)의 일부임을 상기시키며, 작가의 초기 설치 작품 ⟨세계관 시험하기 (Testing a World View)⟩(1993)을 참조하듯 전시장의 바닥, 벽, 그리고 천장에 밀착되어 설치된다.

더불어 본 전시에서 선보이는 일련의 작품들은 인간을 도시에 사는 동물이라는 관점에서 바라보고 반추한 결과물이며, 이는 작가의 드로잉 연작을 통해 더욱 풍부하게 확장된다. 드로잉 작품들은 신체-공간과 건축이라는 영역을 전 인류가 고유하는 인식의 장으로 보는 그의 시각을 드러낸다. 또한 우리가 이 인식의 장으로부터 빛과 그 너머의 공간을 향해 무한히 시선을 확장할 수 있음을 시사한다.

‘서울’이라는 도시는 작가의 예술적 탐구에 깊이를 더하는 강력한 맥락을 제공한다. 홍콩, 싱가포르, 대만과 함께 이른바 ‘아시아의 네 마리 용’으로 불리는 서울에 즐비하게 들어선 고층 건물과 밀집된 인프라에서 전후의 궁핍한 시기를 지나 글로벌 산업 강국으로 도약한 한국의 면모가 여실히 드러난다. 그러나 이러한 상황은 비단 한국만의 특성이 아니라, 오늘날 인류 대다수가 살아가는 보편적인 도시적 삶의 양식이다. 이제 도시의 지형은 단순히 인간을 둘러싼 환경이 아니다. 이는 우리 몸에도 흔적을 남기며, 우리의 움직임과 내면의 감각적 지형에도 영향을 미친다. 이처럼 끊임없이 변화하는 도시 환경 속에서 이번 전시는 인간의 신체와 서식지가 어떻게 함께 구성되는지를 감각하도록 하는 예술적 제안이자, 나아가 변화된 우리의 인간 조건에 대해 더욱 깊이 인식하게 하는 촉매로서 기능한다.

안토니 곰리(b. 1950, 런던)는 인체와 공간의 관계를 탐구하는 조각, 설치미술 및 공공미술 작업으로 널리 알려져 있다. 1960년대 이후 자신과 타인의 몸을 비평적인 시각에서 탐색하고 활용함으로써 인간이 자연, 더 나아가 우주와 맺는 근원적인 관계의 문제를 천착하는 조각에 몰두했다. 그는 예술의 공간을 새로운 행동, 사고, 감정 등이 일어날 수 있는 ‘되어감의 장소’로 재정의하고자 끊임없이 시도한다.

안토니 곰리의 작업은 모국인 영국은 물론이고 세계 각지의 주요 미술관과 공공장소에서 전시되었다. 한국 뮤지엄산(2025), 미국 텍사스 댈러스 내셔 조각 센터(2025), 프라하 루돌피눔 갤러리 (2024), 프랑스 로댕 미술관(2023), 독일 뒤스부르크 렘부르크 미술관(2022), 네덜란드 바세나르 포를린던 미술관(2022), 싱가포르 내셔널 갤러리 (2021), 런던 왕립예술원(2019), 그리스 델로스(2019), 이탈리아 플로렌스 우피치 미술관(2019), 미국 펜실베니아 필라델피아 미술관(2019), 중국 상하이 롱 뮤지엄(2017), 런던 국립초상화미술관(2016), 이탈리아 플로렌스 벨베데레 요새(2015), 스위스 베른 파울 클레 센터(2014), 상파울루, 리우데자네이루와 브라질리아 브라질 은행 문화원 (2012), 독일 함부르크 다이히토어할렌 미술관(2012), 러시아 상트페테르부르크 에르미타주 미술관(2011), 오스트리아 쿤스트하우스 브레겐츠(2010), 영국 헤이워드 갤러리(2007), 스웨덴 말뫼 쿤스트할(1993), 덴마크 루이지애나 현대미술관(1989) 등에서 개인전을 가졌다. 영구적으로 설치된 주요 공공미술 작품으로는 영국 게이츠헤드의 ‘Angel of the North’, 영국 크로스비 해변의 ‘Another Place’, 호주 볼라드 호수의 ‘Inside Australia’, 네덜란드 렐리스타트의 ‘Exposure’, 미국 매사추세츠 공과대학교의 ‘Chord’, 영국 임페리얼 칼리지 런던의 ‘Alert’ 등이 있다.

1994년 터너상, 1999년 사우스뱅크 시각 예술상, 2007년 베른하르트 하일리거 조각상, 2012년 오바야시상, 2013년 프레미엄 임페리알상 등을 수상했다. 1997년 대영제국 훈장(OBE)을 받았고, 2014년 신년 서훈을 통해 기사 작위를, 그리고 2025년에는 예술 분야의 공로로 영국 국왕 탄신일 기념 명예 훈작을 받았다. 곰리는 왕립건축가협회 명예 펠로우, 케임브리지 대학교 명예박사, 케임브리지 트리니티 칼리지와 지저스 칼리지의 펠로우이다. 2003년 이래 왕립예술원 회원으로 활동 중이다.